Emanuele Coluccia ci parla del suo nuovo disco: Birthplace, e non solo!

Birthplace è il tuo secondo disco in studio, ma tra i due è passato tanto tempo e c’è tanta differenza. Come commenti tutto ciò?

R.: Una delle manifestazioni peggiori della mia personalità, per molti anni, è stata la procrastinazione causata dalla pretesa di perfezione: finivo col non fare nulla perché mi raccontavo che nulla era mai abbastanza.

I due dischi hanno in comune una cosa: a sottrarmi dallo stato passivo in cui ero adagiato sono stati, entrambe le volte, delle persone che mi volevano bene e che amavano la mia musica, Luca Tarantino la prima volta (ricordo ancora quando è passato a prendermi da casa per farmi “una sorpresa” e mi ha condotto in una chiesa sconsacrata di un paesino del basso Salento, dove c’era un piano a coda, e ha montato lui stesso i microfoni con cui ha ripreso quella musica), Dario Congedo e Luca Alemanno la seconda volta, chiamandomi al telefono da Roma e dicendomi: “ora basta! portaci in studio e registra questi pezzi meravigliosi”.

In entrambi i casi, il contributo decisivo è giunto da Irene Scardìa che ha sempre creduto in me più di me stesso.

Dal punto di vista stilistico, i dischi differiscono in questo: il primo è un piano solo, il secondo mi vede collaborare con la sezione ritmica, il che mi permette di tenere la mano sinistra un po’ meno impegnata. Inoltre, nel primo disco ho improvvisato molto di più, intere tracce sono nate nel momento in cui le registravo.

Birthplace invece è uno studio, una selezione del materiale, orientata da quel che i temi suggeriscono, un lavoro più maturo certamente. Personalmente li amo entrambi! Entrambi mi hanno fatto specchiare nelle note, ed entrambi ti conducono in un mondo di possibilità.

Direi che il primo parla di una continua partenza, un continuo cercare la via d’uscita, la fuga, il viaggio, variopinto ed eccitante, seducente, meravigliosi paesaggi, con il continuo dolore prodotto dall’impossibilità di fuggire da sé stessi. Birthplace si concentra più sull’essenziale, cioè sul fare l’unico viaggio veramente importante per me: quello del ritorno a me stesso.

Il disco sembra una perfetta amalgama di stili ed influenze diversi. Noi ti citiamo alcuni brani ai quali ci darai un breve commento. Concluderai con una tua sintesi dell’intero album. Partiamo con Oceano….

R.: Oceano è nata durante la visione di un video8 degli anni sessanta che contiene scene dal matrimonio dei miei genitori.

La melodia di oceano è letteralmente nata mentre guardavo una di queste scene in cui si intravede il mare all’orizzonte. Le prime note di questo brano, nel mio immaginario, altro non sono che quella striscia azzurra d’acqua che sta tra cielo e terra e il suo bordo superiore dritto, infinito, come una pianura salentina, ma più liscio, perfezionato dalla gravità della terra. L’oceano è dolce e rilassante visto così, da lontano, poi da dentro le cose cambiano, puoi sentirti perso, smarrito, o addirittura in pericolo.

Il brano è una breve uscita in mare aperto, l’incontro con un po’ più di quel che ti aspettavi, un ritorno a casa un po’ più consapevole dei pericoli del “mare” della vita.

Eagle’s wish parte come un brano di piano solo per buona parte della durata, poi cosa avviene?

R.: Il tema di questo brano, come quasi tutti i temi di Birthplace, nasce cantando. Mi sono svegliato di notte dopo un sogno e ho cantato le note del tema registrandomi con lo smartphone.

La mattina poi mi sono dedicato ad armonizzarlo, cercando accordi che lasciassero a quel tema lo spazio che desideravo ma conservando una certa profondità. E’ un tema lungo, lento, che si sviluppa in un ampio raggio, come il volo di un’aquila. L’ingresso della sezione ritmica rivela in pieno la mia giovanile passione per il meraviglioso lavoro del Pat Metheny Group. Nel progetto iniziale il brano doveva essere accompagnato da un’intera orchestra, poi le circostanze hanno reso questa idea un ulteriore motivo di procrastinazione e mi sono risolto a suonarlo così.

Cominciare da solo e poi rifare il tutto con la seziona ritmica è uno stratagemma di accumulo che va nella direzione del suono orchestrale, un segno postumo dell’idea originale che produce un effetto simile a quello di un’aquila che vola per un po’ ad altezza del terreno per poi ritrovarsi in pieno cielo, nell’immediato superamento del ciglio di un canyon.

C’è un brano con un titolo impronunciabile: Oxtlapaltekatl. Cosa significa  e cosa vuoi esprimere con esso?

R.: Ero in Messico nel 2004. A seguito di circostanze eccezionali che sarebbero troppo lunghe da raccontare, mi ritrovai a partecipare ad una danza molto particolare con un gruppo di praticanti di questo rito precolombiano che chiamavano, se non ricordo male, danza del guerriero o danza dell’aquila. Il mio spagnolo era pessimo e non comprendevo tutto ciò che mi veniva detto.

Comunque, prima della danza lunga ed estenuante cui presi parte, il maestro del gruppo si avvicinava a ciascuno dei partecipanti con un incensiere rudimentale da cui proveniva un fumo denso, e passava alcuni secondi di fronte ad ogni persona, lasciando che il fumo ne inondasse il volto, e fissando la persona con una strana occhiata le attribuiva, dopo alcuni secondi, un “nome”; si tratta di una modalità di ammissione a riti sacri che avevo osservato anche in altri gruppi indigeni.

Il nome che attribuì a me era appunto OxTlapalTekatl, del quale chiesi una traduzione. Mi rispose, con esitazione: “Oxtlapaltekatl.. colui che cammina per cammini di colore.. speriamo che incontri un cammino che ti piace”. E’ una parola della lingua Nahuatl, composta da tre parole: Ox, o Oj: colui, egli, lui. Tlapalli: colore (in Messico, ancora oggi, il negozio di colori, vernici e ferramente si chiama “tlapaleria”). Tekatl, che a detta del maestro significa Cammino. Non sono certo della traslitterazione.

Con Lejos, crediamo, che tu voglia esprimere anche un velato senso di influenza, nelle tue radici musicali, di un leggendario brano rock in apertura (Wish you where here dei Pink Floyd) mentre sul finale, con le note suonate dal pianoforte, abbiamo l’impressione di sentire, appunto, il finale di What a wonderful world,  di Armstrong. Ci sbagliamo?

R.: Il brano dei Pink Floyd mi ha emozionato ed influenzato senza ombra di dubbio, ma devo ammettere che solo ora che me lo dici me ne sto rendendo conto! Lo stesso dicasi per le note finali che riportano al brano di Armstrong.

Direi che in questa rivelazione leggo alcuni aspetti interessanti di come in noi si creino delle emozioni per associazione diretta di impressioni e memorie, soprattutto se tieni conto del fatto che le due emozioni che associo al brano sono esattamente queste: la nostalgia (“I wish you were here” è una frase nostalgica) e meraviglia. Il brano parla di lontananza da casa e allo stesso tempo di meraviglia profonda per ciò che si sta vivendo.